Planos Cinematográficos

TIPOS DE PLANOS 1. El encuadre es la selección de la realidad que se quiere registrar.  El operador de cámara, artista audiovisual o fotógrafo selecciona detrás  del objetivo de la cámara, lo que verá finalmente el espectador de la obra.  Según la distancia, la situación y la inclinación de la cámara, se pueden  conseguir diferentes expresiones de la realidad.  La acción de seleccionar la parte de imagen que importa a la expresión  buscada recibe el nombre de encuadrar. Al encuadre se le llama  comúnmente plano. El plano cinematográfico es la unidad narrativa más pequeña  pero significativa del hecho audiovisual y es la parte de una película rodada  en una única toma, de manera que una película se compone de un conjunto de tomas. Existen diferentes tipos de planos que hemos clasificado en 10 tipos diferentes,  aunque esto no significa que sean los únicos que existen, el lenguaje audiovisual  es un arte y se pueden combinar entre ellos o incluso crear estilos personales.

• El Gran plano general o Plano general largo (P.G.L.) muestra un gran escenario o una multitud. El sujeto (o figuras) no se puede ver  o bien queda diluido en el entorno, lejano, perdido, pequeño, masificado. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio. Recoge la figura/s humana/s en contextos tan amplios en los que se pierde la figura o el grupo. Se da así más relevancia al contexto que a las figuras que se graban.

• El plano general muestra con detalle el entorno que rodea al sujeto o al objeto, como un amplio escenario. A veces se muestra al sujeto entre una 1/3 y una 1/4 de la imagen. Se utiliza para describir a las personas en el entorno que les rodea.

• El plano conjunto (P.C.), es el encuadre en donde se toman la acción del sujeto principal con lo más cercano.

• El plano entero (P.E.), también llamado “plano figura”, es denominado así porque encuadra justamente la figura entera del sujeto a tomar, es decir, se podría decir que el plano abarca justo desde la cabeza a los pies.

• El Plano americano (P.A.), se de denomina también plano medio largo o plano de 3/4, encuadra desde la cabeza hasta las rodillas. Se le llama americano porque era utilizado en las películas de vaqueros para mostrar al sujeto con sus armas.

• El Plano medio (P.M.) encuadra desde la cabeza a la cintura. Se correspondería con la distancia de relación personal, distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos. Por ejemplo una entrevista entre dos personas.

• El Plano medio corto (P.M.C.) encuadra al sujeto desde la cabeza hasta la mitad del torso. Este plano nos permite aislar una sola figura dentro de un recuadro, y descontextualizarla de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.

• El primer plano (P.P), en el caso de la figura humana, recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al sujeto.

• En el primerísimo primer plano (P.P.P) se capta una parte del cuerpo del sujeto, como una mano, una boca, un ojo y la ceja, etc.

• El plano detalle, también llamado “plano primerísimo”. Este plano se utiliza para destacar un elemento que en otro plano podría pasar desapercibido, pero que es importante que el espectador se de cuenta para seguir correctamente la trama.

2. La angulación o ángulo visual, és sencillamente posicionar la cámara inclinada de manera que se pueda "manipular" el plano para crear cierto efecto en el resultado final. 

• El plano cenital es un plano realizado desde arriba, justo encima de los sujetos u objetos, con un ángulo de 90 grados perpendicular al suelo, como si se hubiese captado desde un satélite o un helicóptero.  Generalmente tiene un efecto estético de la imagen.

• En el plano picado la cámara graba a una altura ligeramente superior a los ojos (en caso de sujetos) o de la altura media (en caso de objetos), con la cámara ligeramente orientada hacia el suelo. Se utiliza para transmitir al observador que alguien es inferior, inocente, débil, frágil, inofensivo o incluso para ridiculizar. 

• En el plano contrapicado la cámara se sitúa enfrente y a una altura ligeramente inferior a los ojos del sujeto, o inferior de la altura media de un objeto. Con la cámara ligeramente orientada hacia el techo. Es el plano opuesto al plano picado. Sirve para ensalzar y magnificar al sujeto u objeto. Un ejemplo típico es Darth Vader en la película Star Wars, en todas las escenas la cámara lo graba en contrapicado para ensalzar su tenebrosidad. En los últimos tiempos también se utiliza este plano cuando los políticos graban sus mítines con circuitos cerrados propios y luego pasan las imágenes a los informativos, para “magnificar” a sus líderes.

R I P

• En el plano nadir la cámara se sitúa totalmente por debajo del sujeto, con ángulo perpendicular al suelo. Se usa a nivel estético para dar dramatismo, interés a la escena o dinamismo.

• El plano dorsal también llamado “plano semisubjetivo”. Nos explica que ve el protagonista pero incluyéndolo, nos confirma nuestro rol de espectadores, no de posibles protagonistas. También nos da un poder sobre los sujetos: nosotros los vemos pero ellos a nosotros no. Es típico de las películas de miedo, cuando están a punto de atacar a una persona por detrás.

• El plano escorzo incluye al sujeto protagonista de cara y al sujeto que escucha de espalda. Enfatiza al sujeto que tiene la acción en ese momento (por ejemplo, hablar). La cámara se sitúa detrás del sujeto filmado, en 45 grados.

• El plano perfil, también llamado “plano lateral”. La cámara está a un lado del sujeto. En este plano vemos la expresión de ensimismamiento del personaje. Intuye que algo terrible está a punto de suceder y se dirige a su destino.

• El plano frontal es el plano más habitual. También llamado “plano normal” o “plano neutro”. El ángulo de la cámara es paralelo al suelo y delante del sujeto que se está grabando, a la altura de los ojos. Nos muestra al sujeto y su aspecto físico. En caso de ser un objeto, se graba a su altura media.

• El siguiente es el plano flip over, este juego de cámara sirve para subvertir nuestras expectativas con un inesperado movimiento de cámara de 180 grados que nos indica que lo que estábamos viendo estaba en realidad al revés.

• Por último el plano holandés, llamado también “plano aberrante”. La cámara está inclinada unos 45 grados y comunica al espectador un efecto de inestabilidad, a la vez que sirve para dar dinamismo a la escena.

Comentario: EL RESPLANDOR

Título: El Resplandor (The Shining)

País: Reino Unido, Estados Unidos.

Año: 1980.

Duración: 146 minutos.

Director: Stanley Kubrick: (Nueva York, Estados Unidos; 26 de julio de 1928–St Albans, Reino Unido; 7 de marzo de 1999) fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense. Considerado por muchos como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX, destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus películas y su marcado simbolismo.

Intérpretes: 

• Jack Nicholson como Jack Torrance
• Shelley Duvall como Wendy Torrance
• Danny Lloyd como Danny Torrance
• Scatman Crotherscomo Dick Hallorann
• Barry Nelson como Stuart Ullman
• Philip Stone como Delbert Grady
• Joe Turkel como Lloyd el camarero
• Anne Jackson como la doctora (solo versión USA)
• Tony Burton como Larry Durkin (solo versión USA)
• Barry Dennen como Bill Watson
• Lisa Burns y Louise Burns como las hijas de Grady
• Lia Bedlam como la joven de la bañera

Argumento: Jack Torrance se convierte el cuidador de invierno del desolado Hotel Overlook, en Colorado con la esperanza de curar su bloqueo de escritor. Se instala en el hotel junto con su esposa, Wendy, y su hijo, Danny, que está plagado de premoniciones psíquicas. Como la escritura de Jack va a ninguna parte y las visiones de Danny se vuelven más preocupantes, Jack descubre oscuros secretos del hotel y comienza por convertirse en un maníaco homicida, empeñado en aterrorizar a su familia.

Análisis histórico: 

1- Contexto histórico: Se desarrolla en 1978. Estamos ante una situación económica complicada en la que una familia ha de mudarse a un hotel para trabajar precariamente a cambio de unos dinerillos. Podemos observar una maquinaria y unos decorados inspirados en la época, marcada por el cambio ochentero y la llegada de la industria tecnológica (aún no ha llegado). Tienen una cultura basada en el amor por el arte (la literatura) y gran capacidad de aventura y novedad (viajan mucho). En cuanto a la religión, no se menciona demasiado pero parece que creen en los espíritus (no deben ser cristianos).

2- Contexto Película: Se rueda en un contexto en el que el público cinematográfico pide esa adrenalina generada por el terror. El director quiere transmitir nuevos sentimientos psicológicos poco experimentados hasta la época. Así, Stanley nos sitúa en EEUU, en terreno montañoso, nevado y tormentoso que transmite aún más la sensación agobiante del hotel.

3- Personajes: 

Jack Torrance: Protagonista. Es el desencadenante de la locura del hotel, así como el que provoca la llegada al hostal. Debe trabajar pero su estado mental desemboca en la locura y el avistamiento de cuerpos extraños.

Wendy Torrance: Mujer del protagonista. Es la más cuerda de la familia. Apoya a sus afiliados por encima de todo a pesar de que tiene sentimientos de inconformismo y desconfianza frente a su pareja.

Danny Torrance: Hijo, coprotagonista. Ha heredado la locura de su padre pero la inocencia y sensibilidad de la madre. Es el primero en sentir los efectos del extraño poder del hotel.

Dick Hallorann: Secundario. Es el que introduce el hotel a la familia (propietario). Al igual que Danny, tiene la extraña capacidad de relacionarse con fuerzas de fuera de este mundo.

-El resto de personajes, secundarios, son mencionados previamente y no constan de gran importancia en la película-.

4- Crítica histórica:

En esta película, no se han encontrado ningún tipo de error histórico; aunque si prestamos mucha atención descubriremos algunos errores de grabación. Por ejemplo: 
En la toma aérea al principio de la película, el Hotel Overlook no cuenta con su famoso laberinto. 
Entre toma y toma, la peluca de la Sra. Torrance se mueve de arriba a abajo.

5- Valoración personal:

S. Kubrick, se adentró en el género del terror con esta cinta de 1980 basándose en una novela del insigne S. King, que ya se había utilizado anteriormente en una serie de tv.

El comienzo de la película es sobrecogedor, un coche solitario abriéndose paso entre montañas amenazantes mientras suena una melodía sombria (“dies irae”). El decorado principal, el hotel Overlook, localizado por el libro en Colorado, tiene ese aspecto monumental y solitario. 
En realidad la película no es muy compleja en su consideración: un solo escenario, 3 protagonistas y una historia que a priori no da para mucho ya que se limita a observar la vida de una familia aislada en un hotel desierto. Por otra parte, si nos centramos en los actores: J. Nicholson borda el papel de J. Torrance, un aspirante a escritor gris, hosco que progresivamente ira perdiendo la cordura al amparo de la soledad opresiva del hotel. En todas ellas asistimos a un repertorio infinito de recursos que solo un actor como él puede ofrecer; pavor causa su sonrisa torva mirando a través de una ventana cuando fuera del hotel la tormenta arrecia. A su lado S. Duvall también se desempeña con eficacia, en un papel no agradecido y en un registro más apagado, pero que no evito que en el rodaje sufriera una crisis nerviosa por las exigencias desmedidas del director. Por ultimo D. Lloyd da vida al hijo de la pareja, un niño especial con capacidad telépata a la que alude el título de la cinta, que tiene un papel fundamental en el desarrollo de los acontecimientos.Otro de los grandes puntales de la película es la música; Kubrick logro añadir un tono más áspero a las escenas, una chirriante angustia que describe majestuosamente sin palabras la sensación de agobio del aislamiento en el hotel. La pericia del director es el ultimo gran recurso para el éxito de la cinta, que acierta a convertir una historia sin adornos en la narración del deterioro pavoroso de la mente del protagonista apoyándose en escenas de gran simbolismo. Tantas y tantas cosas conforman un puzzle sólido, sin fisuras, realmente disfrutable, con un ritmo adecuado que nunca aburre en sus más de 2h de duración gracias a la creatividad del guion que de forma sutil va envolviendonos con la enajenacion del protagonista al amparo de una soledad insoportable y un invierno atroz.

Aunque S. King nunca considero esta adaptación como adecuada ni fiel a su manuscrito, creo que hay que alabarla en sus justos términos, como lo que es, gran cine que proporciona diversión y buenos momentos, de esos que siguen haciéndonos creer en la magia del séptimo arte.

MIS FOTOGRAFÍAS

Fotografías de desenfoque:

Fotografías de barrido:

Fotografías Chema Madoz:

Para esta fotografía inspirada en las de Chema Madoz; he cogido dos galletas de la marca Oreo y les he quitado su interior, sustituyéndolo por algodón. Por otra parte, al fondo se pueden ver unas nubes realizadas también con este material; estas estaban sujetas con un hilo que ha sido eliminado en la edición mediante PhotoShop.

Y en esta segunda fotografía he querido recrear a una persona fumando, pues he podido observar como Chema Madoz utiliza, aunque con muy poca frecuencia, la figura humana como objeto a fotografiar. En esta, me encuentro con un barquillo de chocolate entre los dedos simulando ser un puro, y para que fuera más realista añadí humo, con la ayuda de un vaper.

Los 11 fotógrafos más importantes de la HISTORIA

1. Henri Cartier-Bresson 

El fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson fue uno de los pioneros del fotoperiodismo y uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Las fotografías de los viajes que emprendió por todo Asia y Europa lo posicionaron como un fotógrafo muy humano, ya que centró sus proyectos en momentos cotidianos resaltando a la gente en sus estados más comunes. La documentación que hizo a partir de eventos que marcaron la historia como la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Mundial y el impacto que tuvo el asesinato de Mahatma Gandhi en India, lo llevaron a ganar un papel muy importante como periodista a nivel mundial. Cartier-Bresson se distinguió por ser un fotógrafo “natural” ya que usó en casi todas sus impresiones, tomas capturadas por su Leica de 35 mm, rechazando la tendencia a las luces artificiales y la edición de imágenes en cuartos. 

2. Robert Capa

De origen húngaro, Capa fue un fotógrafo que centró su trabajo en periodismo de guerra. Logró cubrir muchos de los conflictos que ocurrieron en Europa y Asia en el Siglo XX como la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Civil Española. Se ganó el título de  “Mejor fotógrafo de guerra del mundo” gracias a la publicación de fotoperiodismo inglés: PicturePost. Capa fue famoso por el impacto que crearon sus fotografías de personas, hacía las tomas con un lente de tan sólo 35 mm lo que le permitió llevar su cámara a todos lados y tomar fotografías en cada momento. Colaborócon una gran variedad de revistas y publicaciones como LIFE y Time haciendo de sus fotos íconos  a nivel mundial.

3. Helmut Newton

Este fotógrafo alemán alcanzó la fama gracias a sus shootings de moda. La estética que adoptó lo estableció como uno de los fotógrafos más atrevidos y controversiales. Las imágenes que publicó en un sin fin de ediciones de revistas de moda como Harper’s Bazaar, Vogue, Marie Claire, entre muchas otras, impactaron al mundo debido al espíritu sexual que imprimía en cada una de ellas. Aunque el enfoque de Newton fue principalmente moda, su portafolio logró expandirse a lo largo de los años mostrando algunas de las fotos más icónicas de figuras importantes en el mundo del cine, la política y el espectáculo alrededor del mundo.

4. Ansel Adams

Ansel Adams fue un fotógrafo americano que se caracterizó por sus imágenes de la naturaleza y el medio ambiente. Sus impresiones -las más famosas se encuentran en el parque nacional Yosemite- sirvieron de apoyo para la conservación de reservas naturales en Estados Unidos, e incluso fue de los pioneros en posicionar la fotografía dentro de la categoría de las bellas artes. Adams se distinguió por usar cámaras de formato grandes, lo que le permitió reproducir imágenes que aportaron una alta resolución y nitidez en su ejecución. Habiendo dominado el tiempo de exposición óptimo para dar la claridad perfecta a sus fotografías de la naturaleza, Adams fue uno de los fundadores del Grupo f/64 que se distinguieron por tomar un estilo en el cual las fotografías resultaban con un fondo muy agudo; esta técnica influyó a muchos fotógrafos posteriores a él.

5. Andreas Gursky

Andreas Gursky es un fotógrafo alemán que se ha caracterizado por sus fotos de arquitectura a grande escala en distintas ciudades. Gursky ha logrado capturar la vida del mundo moderno a través de lo que implican los paisajes de las ciudades a detalle pero de un punto lejano. El impacto que sus fotografías provocan resultan del color que les imparte a las impresiones que logra gracias a la manipulación digital. Actualmente, Gursky mantiene el primer lugar de la fotografía más cara vendida durante una subasta; fue una imagen de su colección “Rhine”.

6. Robert Doisneau

Robert Doisneau fue un fotógrafo francés pionero del fotoperiodismo. Su trabajo como fotógrafo tomó vuelo durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue reclutado como soldado y fotógrafo de la resistencia francesa. Doisneau se caracterizó principalmente por su amor a la captura de momentos cotidianos de las calles de Paris. Siendo uno de los fotógrafos más influyentes de su época, y de los más reconocidos de la historia, Robert Doisneau fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1984 además de miembro honorario de The Royal Photographic Society en 1991, demostrando su gran influencia en el mundo del arte.

7. Thomas Struth

Struth es un fotógrafo alemán conocido por su amplio dominio en diversas aspectos de la fotografía: retratos, paisajes y fotografías de museos, entre varios. Habiendo estudiado bajo la dirección del famoso pintor Gerard Richter, Thomas Struth logró dominar la magia de la composición para hacer de sus prints imágenes que parecen congelar el tiempo y el movimiento en ellas.

8. Man Ray

Man Ray fue un artista americano que figuró dentro de la corriente surrealista del siglo XX. Aunque el fotógrafo era de origen americano, pasó la mayor parte de su vida en Paris formando parte del grupo Dada de Paris, donde creó experimentos fotográfico en los cuales buscaba hacer fotos “camara-less”. A estas fotografías experimentales se les conocían como “Rayographs”, buscaban manipular la imagen obtenida con objetos que la distorsionaban sobre el papel fotosensible donde las imprimía. Su trabajo se centró principalmente en retratos, pero logró ganarse un lugar dentro del mundo de la moda, fotografiando editoriales para publicaciones como Vogue.

9. Manuel Álvarez Bravo

Álvarez Bravo es quizás el fotógrafo mexicano más reconocido a nivel mundial. Siendo una de las figuras más representativas del arte latinoamericano del siglo XX, Manuel Álvarez Bravo logró capturar la esencia de México a través de escenas típicas mexicanas, pero excluyendo el sentido pintoresco que se les adjudicó debido al cine que se produjo durante la etapa del Cine de Oro mexicano. Rechazando los típicos estereotipos mexicanos, Álvarez Bravo creo un estilo único mezclando la influencia europea que influyó en su trabajo debido al movimiento surrealista al mismo tiempo que el muralismo que estuvo muy presente durante sus años más prolifero como fotógrafo.

10. Cindy Sherman

Cindy Sherman es una fotógrafa americana que basa su trabajo en retratos que relatan los roles de género en la sociedad. Sherman ha formado parte del movimiento contemporáneo de artistas “Pictures Generation”que logró tener mucho auge durante los años ochenta. Sus fotografías buscan hacer una conexión entre una imagen inmóvil junto con elementos teatrales que le logran dar movimiento y vida a la misma. Dentro de estos destacan los disfraces, las luces y el maquillaje para relatar como la sociedad logra comprometer la identidad personal a través de los roles que la misma hace jugar a la gente.

Chema Madof

Chema Madoz (Madrid, 20 de enero de 1958) es un fotógrafo español, Premio Nacional de Fotografía en el año 2000.¹​²​

Nacido José María Rodríguez Madoz, entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1984. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha. En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición. Ese mismo año recibe el Premio Kodak. En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.

La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro Chema Madoz (1985 - 1995). Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista, el libro titulado Mixtos - Chema Madoz.

En 1999 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual "Objetos 1990 - 1999", que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.

En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado". Su obra sobrepasa las fronteras españolas llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia). Ese año recibió el premio Higashikawa en Japón.

PREMIOS QUE GANÓ:

• 1991:Premio Kodak.
• 2000: Premio Nacional de Fotografía de España.​
• 2000: Premio Higasikawa Overseas Photographer del Higasikawa PhotoFestival 
• 2000: Premio PhotoEspaña.
• 2014: Premio de Fotografía Piedad Isla.